戏剧舞台灯具是用在舞台上的，所以首先考虑的是光的可控性，特别是野光，还要有细腻的调光曲线，不管是LED灯、常规灯还是电脑灯，调光曲线不好的话在舞台上很难应用，比如一开灯，啪一下就亮了，没有一个起光过程，这种灯具在戏剧舞台上是不能用的，舞台剧灯光要求调光比较细腻，不然就不适用了。

　　宋超：由于音乐剧往往需要设计师结合灯光的多个设计要素，因此在灯具的运用上尽量选择高智能的电脑摇头灯具。但是很多电脑灯有一个很大的缺点，就是其散热的噪音很大，对于音乐剧这样的演出是很致命的，因为音乐剧很重要一方面是观众的听觉感受。如果观众一进场听到的是几十台电脑灯“嗡嗡嗡”的声音，其听觉感受会大打折扣。这次《战马》来中国演出给我印象最深的就是该剧使用的电脑灯具几乎完全静音!配合现场的音响效果，听觉感受十分完美。

　　杜日冲：该案例在灯具选型上主要选用了舞台常规灯具，使得光和色彩更加均匀、饱满。灯具选型上一定要注意灯光的色彩均匀度和饱和度，同时还要注意灯具的眩光控制。

　　关键词：流程process

　　《阿拉丁·设计》：一般舞台灯光的设计流程是怎样的?主要考虑哪些因素?

　　白文国：一般来说，灯光师要先看剧本，然后请导演讲一下对戏的要求，了解他对这部剧的把控和要传达给观众的感情。之后就要去了解这部剧的时代背景，故事发生的基本情况包括戏剧矛盾、人物情感等等，你对整部剧会有一定的设想，结合舞美对整部剧的演出空间、环境的把控，舞美给你预留的空间有多大，根据舞美设计的方案就可以有一些初步的灯光设计。但光区的位置也要依据导演的调度，所以导演在排练的时候你要细心地、反复的去看，去听音乐，边看边理解，不明白的地方随时沟通。影响灯光光位的地方，可以跟导演或舞美设计师沟通，看能不能变通一下。结合演员的表演、舞美设计、音乐，以及导演对戏剧的把握，灯光师在观看排练的过程中会逐渐形成自己的设计。

　　一台戏，不论是导演还是舞美设计、灯光设计，最主要的是要找到矛盾主线，包括矛盾冲突、情感变化，从而找到这个剧的形象代表，我们习惯称之为“形象的种子”。导演要找到这个“形象的种子”，来设计整台戏;舞美设计也要找到这个“形象的种子”，来确定舞美的风格样式;灯光找到这个“形象的种子”，来作为灯光设计的支点与符号，来揭示演员的内心世界，“形象的种子”是这台戏的灵魂。

　　比如有部戏叫《蔡文姬》，讲的是女主人公蔡文姬被掳到匈奴之后，虽然国破了，心里却还一直挂念着中原，心中有希望的影子，这种情况下，比如舞台上会打一些类似影子的光，代表她心中的情愫。而虽然被掳到北方，她心里也一直有希望，这时候会在冷调中，给一束偏红或偏橙的暖光来表现，这是设计师给她的希望。这就是根据剧情、人物心理，采用的光的语汇。所以无论什么戏，你得先把这个“种子”找到，至于找到之后用什么方式、什么灯具表现，那是灯光设计的要考虑的问题。没有找到这个“种子”，等于你的灯光在这个戏里面是没有没有神、没有灵魂。

　　宋超：舞台灯光设计的流程可以大致分为前期设计构思阶段、剧场技术装台及编程阶段以及演出合成阶段。其中前期设计构思阶段主要分为：剧本分析;典型事件、场景及重点人物分析;根据导演构思以及舞美方案进行灯光设计构思;观看排练并结合舞美装台技术图、剧场平面图以及演员调度绘制灯位图;结合舞美效果图绘制重点场景灯光气氛图;结合舞美设计图、演员调度绘制分场布光图。当然进入剧场之前要与导演与舞台监督开多次制作会，确定最终的设计方案以及技术解决方案。之后在剧场技术状态及编程阶段要与舞台设计、舞台绘景、舞台机械、舞台音响、舞台投影等其他部门按照事先制定好的方案进行联合装台;在装台完成后根据舞美设计以及演员调度进行对光;之后进入灯光编程阶段，有些时候时间紧迫，灯光编程与演员彩排同步进行，也就是一边排练一边编程。这需要灯光设计以及灯光技术人员对剧本以及演员的表演调度十分熟悉。在完成灯光、音响、机械、视频等部门的编程工作后要进行综合技术联排，解决一切技术问题。之后进入演出合成阶段，主要是AB组演员的不打断带服装化妆联排。

　　要考虑的因素有很多，比如灯光进入现场之后会遇到很多前期没有预料到的技术问题，所以有时需要灵活多变，或者准备多个方案，保证演出顺利;灯光还要重点考虑演员的表演，一定要为导演和演员留出足够的联排时间。国内有时候有些演出中间占用的时间太长，往往到了最后的合成彩排已经没有多少时间了，这样做效果不会很好。作为灯光工作者一定要做好充分的案头设计方案，并具备专业的设计以及技术能力，在设计前中期在保证设计质量的前提下尽量缩短创作时间，为导演和演员留出足够的联合彩排时间。又可以让导演更好地把握演员的表演，又可以使演员更好地熟悉一个新的舞台。

　　关键词：二度创作re-creation

　　《阿拉丁·设计》：音乐剧与其他戏剧表演形式相比有什么不同?在灯光上怎么表现?

　　白文国：音乐剧是近几年国内新出现的一种表演形式，里面既有话剧的成分，也有音乐和舞蹈的成分。所以在用光上，有歌舞的光，颜色上比话剧要丰富，总体还是要根据剧本本身来构思。另外，在气氛渲染的手段上也比话剧灵活。音乐剧的空间调度可能比话剧大，灯具的数量也相对较多。

　　宋超：音乐剧相比话剧来说很大的一个特点就是其故事情节的推动与发展是靠一个个音乐来完成的。所以在灯光设计上最重要的是要注重灯光与音乐的关系。一段音乐一起，可能在描述一个故事，可能将观众带入演员的心理空间等等，音乐的行进将观众的听觉引领到一个新的情境中。这时也需要灯光通过色彩、照度、光质等元素的变化将观众的视觉随着听觉同时也进入这个情景。对于音乐剧的灯光设计来说，比较重要的是灯光根据音乐而变化的节奏。只有保证观众听觉和视觉的高度统一性，才能使观众在感官上获得更大的快感。

　　杜日冲：音乐剧包括戏剧、音乐、歌曲舞蹈等，戏剧可分为话剧、歌剧、舞剧、戏曲等。音乐剧灯光表现以静态，色彩为主，其他戏剧以动态，色彩变换为主。

　　《阿拉丁·设计》：舞美设计包括布景、灯光、化妆、服装、效果、道具等多个部分，各个部分之间是什么关系?灯光在其中扮演什么角色?

　　白文国：相互间的关系还是比较大的。舞美给灯光提供的是一个有限的空间，灯光要在舞美设计的基础上来进行创作。舞美设计本来就是一个“二度创作”，那么灯光还要在导演、舞美、音乐等二度创作的基础上再进行创作。所以灯光受到舞美的影响比较大，如果舞美给你留的空间比较小，那么灯光做起来就比较难。但另一方面，舞美布景的色彩要依靠灯光来渲染，布景本身不能用太艳的颜色，否则灯光很难打。其它像化妆、服装也是一样。所以灯光和舞美设计是相辅相成的，而整个舞美设计的基调需要灯光来统一。

　　宋超：现代的舞美设计还要包括舞台机械、舞台音响、舞台投影等等高科技的部门。很难说在这些部门里哪个重要，他们的有机结合是一个成功的演出不可或缺的一部分。

　　杜日冲：舞美设计中的，布景、灯光、化妆、服装、效果、道具等多个部分都是运用造型艺术手段来表现和创作，它们之间紧密结合，灯光在其中属于必不可少的一种。虽然灯光扮演的角色很重要，但灯光不应该成为主角。

　　关键词：矛盾点conflict

　　《阿拉丁·设计》：在一般戏剧表演中，灯光是怎样推进和烘托剧情，怎样表现人物的表情和心理的?

　　白文国：灯光是随着剧情的变化而改变的，而这个变化的“点”是什么，其实是矛盾冲突的转折点。一个剧从开始到结束，会有很多起伏，大的小的矛盾积累到一定程度肯定就会爆发，也就是矛盾冲突的最高点，也是感情变化的顶峰。灯光就是根据这些大大小小的矛盾点(情感变化点)来烘托和表现剧情。而人物的感情和心理，则是依据灯光师对剧的理解，演员表演的理解，通过光色来表现演员的心理变化。比如该案例中也有一束光打在演员身上，表现他的孤独。通过这一束光，就把空间分割了，把“孤独感”传达给观众。再比如，案例中有男女主人公情感的变化，也是通过光来表现：感情很好时可能暖色的光多;产生矛盾时可能就换冷一点的光。这是比较简单的表现手法，如果灯光和人物心理变化结合得比较好，整体效果就更好。

　　宋超：灯光推进或烘托剧情的方式有很多种，比如灯光的色彩、光比、方向、角度、光束、光影等要素都可以达到这些目的。比如话剧《战马》里面的战争场面，在坦克出来的时候，一个巨大的光束从坦克后面穿出射向观众，给观众带了巨大的视觉刺激。表现人物心理时空也有很多种方法，并不是绝对的，往往这些方法都要根据戏剧情节的要求而来，并要结合演员的表演。

　　杜日冲：一般戏剧表演中，灯光色彩、速度，以及图案的变化都是烘托剧情，表现人物表情和心理的重要因素。

　　关键词：结合combine

　　《阿拉丁·设计》：请您分别站在观众和设计师的角度评析这个案例，并谈谈您心中理想的舞台灯光是怎样的。是否有哪个项目达到了您的理想标准?

　　白文国：我个人的感觉是，观众看的主要是演员的表演，但他会感知到好与不好。比如会觉得舞台很炫，或者感觉破破烂烂。舞台灯光设计师为了给观众更好的感觉，会努力打造一个靓丽的舞台。舞台上没有光，舞美设计会让人感觉很单调，但加上灯光之后一下子就丰富了、活了。舞美设计得再好，也是需要灯光来配合的。总体来说这个案例的用光都很好，比如有些场景用了蓝色的光，加上白色图案，像是阳光透过树叶照下来，地上有些光影;有的蓝调中，添加了一片绿色的光，这种临近色的运用也很微妙。但在这个案例中有一个场景，舞台中的树干被打得特别亮，景是用来烘托演员的，舞台就那么大，如果布景太突出，就会喧宾夺主，扰乱观众的视线。

　　国内也有一些灯光做得比较好的项目，一些大师比如中央戏剧学院的胡耀辉老师，国家话剧院的邢辛老师等。年前我在国家大剧院看了一部歌剧叫《方志敏》，看名字是革命题材，觉得艺术创作上可能会受到一定的限制。结果进去一看，舞美是高广健设计的，灯光设计是邢辛，光用得特别好，让我刮目相看，我对这部剧的印象非常好。

　　还有另一个也是在国家大剧院看的，叫《漂泊的荷兰人》。灯用得不多，很单调，但是舞台效果特别好。国外设计师喜欢用光质比较柔的灯，打出来很柔和的光，反差不大，但是营造出来的每一个变化都像一幅油画的感觉，整体画面效果非常好。而且整体的调子是比较灰的，又保证了色彩倾向，但不是很艳丽。

　　宋超：我就站在观众角度看就好，因为我觉得一个设计师在进行设计的时候也要把自己先当成观众，先打动自己，再打动别人。我并没有看过这部演出，但是单从照片上看感觉视觉效果很好，主体人物明确，布景空间层次分明，光景气氛完美。我心中理想的舞台灯光是不仅仅局限于视觉领域的画面或场景设计，而是要跟戏剧文本、表演以及其他部门完美结合。

　　《阿拉丁·设计》：该案例的设计手法有哪些值得学习的地方?哪些不足?

　　白文国：我想抛开这部剧来说，我们去看一部剧的时候，要看些什么，学习什么批判什么。比如前面说的《漂泊的荷兰人》，我会去关注它的色彩运用，光区变化，这需要看他选用什么设备，设置什么样的光位等等，是用逆光还是顺光、侧光?这些都是要在看剧的过程中学习的。比如一束光打下来，肯定不是从头到尾只有这么一束光，是根据剧情变化，灯光变化是一个从“含”到“放”的过程。

　　有时候灯光设计构思得很好，但找不到合适的灯具，这是一个束缚。另外，舞美留给灯光的空间不足，灯光没办法发挥，这也是一个束缚。更重要的是，灯光从业人员不专业，配合有问题，很容易就毁掉了一台戏。

　　宋超：我觉得值得学习的很多，比如低角度面光与低角度侧光的英勇，图案片的应用等。从照片画面上看我觉得没有什么不足，但是灯光的魅力并不是能从一个静止的画面上看出来的，如果想感受灯光的魅力，一定要进入剧场现场感受。

　　杜日冲：该案例中运用的设计手法，光的明暗区、光的色彩，以及图案变换和灯具的发光角度变化……这些在舞台灯光上是极其重要的，值得我们深入学习。舞台灯光设计的很多创意和特效新元素，我们准备在户外景观亮化工程设计中重点去推广和应用，从舞台中来，到生活中去。

　　《阿拉丁·设计》：如果由您来处理这个案例，在灯光方面您会有什么想法和创意?

　　白文国：这个问题有点难回答，因为我没有看过剧本。还是前面说的那样，灯光设计要遵循一定的流程来。不看剧本当然也可以做，无非就是把舞台打亮，等于是没有设计的。不看剧本、不与导演探讨、不看排练、不了解舞美、不听音乐、不了解演出环境、不了解设备和灯光制作团队的条件，几乎无法做好设计。这个案例里面舞美给灯光留的空间还是很大的。要做起来并不难，并不是说设计没有难度，而是要做出创意来还要认真对待。

　　比如亚瑟王和王后之间的矛盾冲突变化，两人心已经有了隔阂，那么用灯光来表现，可能两人在一起时灯光就不那么和谐不那么暖，预示情感的变化。相反，王后跟骑士心心相印，他们幽会的场景则会选用暖色光，也可以是一束暖光，但我现在不是很喜欢用光束，特别是硬光束，总觉得光束会破坏整体效果。如果让我来做，即使非要用光束灯，我也会把光束调虚，让它不那么生硬。

　　宋超：我并不了解这个剧本，所以很难提到会有什么想法和创意。

　　杜日冲：我会增强一点人面部轮廓的灯光，有些场景上面部轮廓上灯光并不是很完美。